Kratka zgodovina hrane kot umetnosti

Filippo Tommaso Marinetti je bil prvi umetnik v moderni dobi, ki je o pripravi in ​​uživanju hrane razmišljal kot o umetnosti. Avantgardno futuristično gibanje, ki so ga leta 1909 oblikovali Marinetti in drugi umetniki v Milanu, je zajelo industrijsko dobo in vse mehanske stvari - od avtomobilov in letal do proizvodnih metod in načrtovanja mest. Mislili so, da bi morala biti kuhanje in jedilnica, tako osrednja za vsakodnevno vsakodnevno življenje, tudi osrednja v njihovih daljnovidnih, oddaljenih idealih.

Povezane knjige

Arcimboldo

Sorodne vsebine

• Mlečni lobi iz 1870-ih je Margarinino roza preoblekel v roza barvo, da bi ljudje kupili maslo

Leta 1932 je Marinetti izdal kuharsko knjigo The Futurist . To ni bil le skupek receptov; bil je nekakšen manifest. Pripravo in uživanje hrane je vrgel kot del novega pogleda na svet, v katerem je zabava postala avantgardna predstava. Knjiga je predpisala potrebne elemente za popoln obrok. Takšna jedilnica je morala odlikovati izvirnost, harmonijo, kiparsko obliko, vonj, glasbo med tečaji, kombinacijo jedi in različne aromatizirane majhne kanapeje. Kuhar je za pripravo obroka uporabil visokotehnološko opremo. O politiki se ni dalo razpravljati, hrana pa je morala biti pripravljena tako, da za njeno uživanje ni bila potrebna srebrna posoda.

Marinettijeva razmišljanja niso mogla napovedati, kakšno vlogo bo v umetnosti prišla skoraj stoletje pozneje. Sodobni umetniki so uporabljali hrano za dajanje izjav: politične (zlasti feministične), ekonomske in socialne. Restavracije so odprli kot umetniške projekte, izvedli predstave, v katerih se hrana pripravlja in streže v galerijah, in izdelali dovršene skulpture iz užitnih materialov, kot sta čokolada in sir. Kot se morda zdi Marinetti grozljivo, nekateri umetniki danes celo sprejemajo hrano kot zavrnitev vseh in vsega, kar je obsedeno v prihodnosti.

Če pogledamo nazaj, je hrana vedno igrala vlogo v umetnosti: jamski slikarji iz kamene dobe so v svojih barvah uporabljali rastlinski sok in živalske maščobe, Egipčani pa so na hieroglifskih tablicah izrezljali piktograme pridelkov in kruha. Giuseppe Arcimboldo, slikar habsburškega dvora na Dunaju in pozneje za kraljevo sodišče v Pragi, je v renesansi naslikal muhaste portretne sestavljanke, na katerih so bile oblike obraza sestavljene iz sadja, zelenjave in cvetov.

Ko pomislim na hrano in umetnost, se intuitivno spominjam velikih, lepih tihožitja nizozemske zlate dobe, na katere sem prvič naletel v umetnostnem razredu severne renesanse. V teh veličastnih slikah je vsaka površina, od bleščečih pernatih plaščev račjih trupov na sijočih srebrnih ploščah do rožne kože sadja in jagodičja, skrbno upodobljena, da ustvari iluzijo, da praznik sedi pred gledalcem. V 1600. letih so takšne slike dokazale bogastvo lastnikov in intelektualni angažma. Prikazana hrana je imela simbolni pomen, pogosto povezan z biblijskimi besedili, in kako so bili predmeti razporejeni - in ki so bili zaužite - so sporočali o minljivi naravi časa ali potrebi po zmernosti.

Kot mlad umetnik sem preučeval Cezannejevo čudovito upodabljanje jabolk in pomaranč. Za postimpresionistične slikarje, kot je Cezanne, je bilo opazovanje iz življenja šele začetek večinoma domišljijskega procesa. Cenili so živo barvo in živahne udarce nad hiperrealizmom preteklosti.

V času pop art je hrana postala družbena metafora. Wayne Thiebaud je v svetle pastelne barve naslikal vrste pite in tort, ki so spominjale na reklame in otroške igrače. Njeni aranžmaji so bili v obliki večerje predstavljeni kot večerja, ne pa domače značilnosti zasebnega življenja in odražajo potujočo družbo, v kateri so bogate sladice pomenile ameriško obilje.

Ta članek je izbor iz našega Smithsonian Travel potovanja četrtletni atlas vprašanja prehranjevanja

Vsaka kultura ima svojo kuhinjo in vsaka kuhinja svojo skrivno zgodovino. Ta posebna številka potovanj ponuja poglobljen pogled na hrano in kulinarično kulturo po vsem svetu, vključno s poglobljenimi zgodbami in najljubšimi recepti.

Približno ob istem času so umetniki začeli uporabljati pravo hrano kot umetniški material. Leta 1970 je sardonični švicarsko-nemški umetnik Dieter Roth, znan tudi kot Dieter Rot, napisal komad z naslovom "Staple sir (dirka)" - punc na "steeplechase" - v njem je bilo 37 kovčkov, napolnjenih s sirom, in drugih stisnjenih sirov na stene z namenom, da bi kapljali ali "dirkali" na tla. Nekaj ​​dni po odprtju razstave v Los Angelesu je razstava oddajala neznosni smrad. Galerija je preplavila magne in muhe, javni zdravstveni inšpektorji pa so grozili, da jo bodo zaprli. Umetnik je izjavil, da so žuželke v resnici njegovo predvideno občinstvo.

Umetniške feministke poznih šestdesetih in začetka sedemdesetih so ameriško razmerje do hrane obravnavale v smislu omejitev, ki jih postavljajo ženske. Feministi so trdili, da je bil osebni - vključno z najbolj vsakdanjimi vidiki vsakdanjega življenja - političen. Leta 1972 sta Miriam Schapiro in Judy Chicago v Los Angelesu najela prazno hišo s 17 sobami, ki je bila predvidena za rušenje, in jo spremenila v množično umetniško postavitev. Schapiro in druge umetnice so v jedilnici ustvarile potopno instalacijo, ki posnema proces, ki mu deklice sledijo pri dekoriranju punčk. Njihov projekt, tako performans kot instalacija, je obsodil dvojni standard družbe - neskladje v pričakovanjih in priložnostih za moške in ženske. Medtem ko so se fantje šolali za uspeh na svetu, naj bi se dekleta držala hiše za svoje možje. Kasneje bi feministične umetnice, kot je Elizabeth Murray, predlagale, da so ženske dovolj močne, da se lahko spoprimejo tako s svetovnimi kot domačimi v delih, kot je "Kuhinja slikarstva" (1985), v katerem se zdi, da je globby žlica, vezana na lik, ki predseduje kuhinji slikovna ravnina in soočanje z gledalcem.

Leta 1974 se je Chicago znova lotil teme jedilnice, ko je začela »Večerjo zabavo«, konceptualno turnejo, ki je zdaj nastanjena v centru za feministično umetnost Elizabeth A. Sackler v muzeju v Brooklynu. Z ekipo nadarjenih obrtnikov je Chicago v nekaj letih izdelal trikotno trikotno mizo za mizo z nastavitvami za 39 kulturno znamenitih žensk, nekaj resničnih in nekaj mitičnih, od prazgodovine do sodobnega ženskega gibanja. Vsaka nastavitev vključuje ročno izdelan prtiček, keramični krožnik, čašico in tekač, vse z ikonografijo, prilagojeno konkretni ženski. Ko se časovna premica približuje sedanjosti, plošče postajajo vse bolj tridimenzionalne, kar simbolizira rastočo svobodo žensk in politično moč.

V devetdesetih letih se je veliko umetnikov navadilo na osebno odtujenost, ki bi bila posledica uvedbe domačega računalnika in drugih dejavnosti na zaslonu. Da bi odpravili nastalo anomijo, so nekateri ustanovili disciplino »relacijske estetike« - znano manj neprozorno kot »socialna skulptura« - glede na to, da je bilo človeško interakcijo, vključno s skupnim prehranjevanjem, zasnovano kot umetniška oblika. Eden najvidnejših vaditeljev je bil Rirkrit Tiravanija, ki je začel kuhati in strežiti hrano gledalcem po galerijah, v galeriji pa je pustil lonce, ponve in umazane posode v času trajanja svojih razstav.

Danes se začetni umetniki še vedno naučijo slikati tihožitja sadja in zelenjave. Mnogi se kasneje od slikanja obrnejo k novim, bolj eksperimentalnim medijem, vendar umetniki, osredotočeni na hrano, pogosto še naprej verjamejo v moč pigmenta na platnu. Newyorški slikarji Gina Beavers, Walter Robinson in Jennifer Coates so dobri primeri. Beavers spleta po internetu za fotografije hrane, ki jo nato kombinira v večplastne kolaže in slike na velikih platnih. Robinson je vnaprej zaseden s viskijem, cheeseburgerji in drugimi predmeti hrepenenja. Coates se osredotoča na junk food, ustvarja slike, v katerih s'mores, mac n 'sir in pica prevzemajo abstraktne oblike. Na splošno je med tradicijo in ikonoklazmom v sodobni umetnosti hrane zdrava napetost. Približno 85 let po objavi se kuharska knjiga Marinetti še vedno zdi pred krivino, čeprav morda ne predaleč.