Njeno kožo v prahu sivkino belo in ušesa so provokativno nabrale, Virginie Avegno Gautreau, rojena Louisiana, ki se je poročila s uspešnim francoskim bankirjem, je pokvarila pariško družbo. Ljudje so govorili toliko o njenih cenjenih ljubezenskih zadevah kot o njeni eksotični lepoti. Konec leta 1882, odločen, da bo ujel izrazito podobo gospe Gautreau, jo je mladi ameriški slikar John Singer Sargent zasledoval kot lov na trofeje. Sprva se je uprla njegovim uvoznikom, da bi se znašla za portret, a v začetku leta 1883 je privolila. Med tem letom je Sargent na svojem domu v Parizu in v svoji podeželski hiši v Bretaniji naslikal Gautreauja na sejah, ki bi jih treba zaobjemati. Imel je dovolj prostega časa med zasedanji, ki jih je posnel za drugi portret - ta je bil naročen - Daisy White, ženi ameriškega diplomata, ki naj bi bil napoten v London. Sargent je upal, da bosta prikazali obe sliki - prefinjen Gautreau v nizko razrezani črni večerni obleki in pravilno, bolj modro belo v bleščeče kremno-beli obleki - leta 1883 na pariškem salonu, najprestižnejši umetniški šovi v mesto. Namesto zamudnosti končnih slik ne bi razstavili šele naslednje leto na pariškem Salonu in kraljevi akademiji v Londonu. Videti jih skupaj, kot je Sargent nameraval, je eden od užitkov "Američanov v Parizu 1860-1900", zdaj v Metropolitanskem muzeju umetnosti v New Yorku (po prejšnjih postankih v Narodni galeriji v Londonu in Muzeju likovnih umetnosti, Boston) do 28. januarja 2007.
Sorodne vsebine
- Obrat sreče Samuela Morseja
- Zgodba za princeso iz pavlove sobe
- Občudovanje mojstrov
Oba portreta kažeta kot nasprotujoče se smerokaze cestam, po katerih bi se Sargent odločil za potovanje. Gautreau prisluhne španskemu mojstru Velázquezu iz 17. stoletja, katerega radikalno oblikovani portreti v celotni dolžini v omejeni paleti črnčkov, sivih in rjavih so navdihnili Édouarda Maneta in številne sodobne slikarje. Bela se spominja pastelno upodobljenih slikarjev angleške družbe iz 18. stoletja, kot so sir Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough in George Romney.
Gautreaujeva brada in meso v prahu, s pasom njene obleke, ki je sugestivno padel z rame, sta povzročila škandal; tako slikar kot čuvaj sta bila kriva za "gnusna" in "pošastna". En kritik je zapisal, da je bil portret "žaljiv zaradi svoje nesramne grdote in kljubovanja vsakemu umetniškemu pravilu." V studiu Sargent v noči na odprtju Salona se je mama Gautreau umetniku pritožila, da "ves Pariz se norčuje iz moje hčerke. Uničen je." Odločno je zavrnil njen ugovor, da bi odstranila sliko. Toda potem, ko se je razstava zaprla, je prebarvani trak prebarval in ga spet postavil na svoje mesto. Sliko je hranil v svoji osebni zbirki, in ko jo je leta 1916 končno prodal Metropolitanskemu muzeju, je zahteval, da jo prepoznajo le kot portret "gospe X." To je "najboljša stvar, ki sem jo naredil, " je takrat zapisal.
Ogorčen odziv na portret Gautreau je pomagal Sargentu k varnejšim obrežjem družbenega portretiranja. Bolj ga je zanimalo veselje kot izzivanje javnosti. To je morda imel v mislih romanopisec Henry James, ko je prijatelju leta 1888 pisal, da je "vedno mislil, da je Sargent velik slikar. Še vedno bi bil večji, če bi imel eno ali dve stvari, ki jih ni - a bo naredil . "
Jamesov opis vpliva Pariza na ameriške slikarje iz poznega 19. stoletja še vedno zveni resnično: "Sliši se paradoks, vendar je zelo preprosta resnica, da danes, ko iščemo" ameriško umetnost ", zasledimo predvsem v Parizu, "je zapisal leta 1887." Ko ga izvemo iz Pariza, v njem vsaj najdemo velik del Pariza. "
Mesto svetlobe je zasijalo kot svetilnik za številne ameriške umetnike, ki so se tam počutili bolje cenjene kot v svoji lastni poslovni državi. Do konca 1880-ih je bilo ocenjeno, da je eden od sedmih od 7000 Američanov, ki živijo v Parizu, umetniki ali študenti umetnosti. Zlasti ženskam je francoska prestolnica ponudila opojno svobodo. "Bili so Američani, zato jih konvencije francoske družbe niso zavezale, " pravi Erica E. Hirshler iz bostonskega muzeja likovnih umetnosti, enega od treh kustosov razstave. "In v Ameriki niso bili več, zato so se izognili tudi tem omejitvam."
Pomemben je avtoportret Ellen Day Hale, naslikan tik preden se je vrnila v rodni Boston. Gledano od spodaj, glava je rahlo nagnjena, Hale je vsake toliko muha - to je odklopljeno, a izrazito dojemljivo sprehajalko skozi pariške množice, ki jih je pesnik Charles Baudelaire slavil kot arhetipsko moderno figuro (pod katero je seveda mislil "človek"). "Za žensko iz leta 1885 je neverjeten portret, ki je tako iskren in neposreden ter odločen, " pravi Hirshlerjeva.
V Ameriki lahko samo Philadelphia in New York City zagotavljata strog umetniški trening, ki temelji na opazovanju golega modela, ki je na voljo v francoski prestolnici. "Pojdite naravnost v Pariz, " je 17-letnemu študentu umetnosti rekel ugledni bostonski slikar William Morris Hunt. "Vse, kar se tukaj naučiš, se boš moral naučiti." Paris je prizadevnemu umetniku ponudila tri možnosti izobraževanja. Najbolj znana (in najtežja za vstop) je bila École des Beaux-Arts, ugledna državna ustanova, ki je pod nadzorom takšnih salonskih svetilnikov, kot sta umetnika Jean-Léon Gérôme in Alexandre Cabanel, pod vodstvom učiteljev Jean-Léon Gérôme in Alexandre Cabanel, predavala pouk z visoko tekmovalnim izpitom. Vzporedni sistem zasebnih akademij je omogočal primerljivo usposabljanje za plačilo. (Ženske, ki so bile do leta 1897 prepovedane z École, so običajno plačale dvakrat toliko, kot je bilo zaračunano moškim.) Najuspešnejši od teh podjetnikov za likovno izobraževanje je bil Rodolphe Julian, čigar Académie Julian je pritegnil toliko prosilcev, da bi odprl več podružnic v mestu . Nazadnje so manj uradno pot varuha ponudili slikarji, ki so pregledovali in kritizirali študentsko delo, v mnogih primerih zaradi čistega zadovoljstva mentorstva. (Študenti so priskrbeli studijski prostor in modele.)
Občutek, da sem takrat študent umetnosti, je prepričljivo prikazan v dragulju Jeffersona Davida Chalfanta iz leta 1891 v ateljeju pri Académie Julian (str. 81). Grozdi moških na štafetah se zbirajo okoli golih modelov, ki svoje poze vzdržujejo na mizah, ki služijo kot hitri podstavki. Šibki sončni žarki filtrirajo skozi strešno svetlobo, osvetljujejo študentske risbe in slike na stenah. Tančica cigaretnega dima visi v zraku tako vidno zadušljivo, da lahko več kot stoletje pozneje še vedno sproži nehoten kašelj.
Izven dvoran akademije, od 1860-ih dalje, so francoski impresionisti na novo definirali umetniške teme in razvijali izvirne tehnike. V svojih mestnih pokrajinah so snemali prostitutke, osamljene pivce in odtujene množice. V svojih pokrajinah so zavrnili konvencije črnega senčenja in postopoma modulirali tone v prid strmega pogleda v vzorce svetlobe in barve, ki dajejo sliko očesu in jo reproducirajo z barvami. Tudi pri upodabljanju nečesa tako poznanega, kot je seneni nahod, je Claude Monet razmišljal o načinu, kako lahko čopič upodablja vizualno izkušnjo.
Številni mladi ameriški umetniki iz Pariza so izkoristili svojo bližino v epicentru impresionističnega gibanja, Monetovega podeželskega umika severozahodno od mesta pri Givernyju. Leta 1885 sta Sargent in še en mlad slikar Willard Metcalf morda bila prva Američana, ki sta tam obiskala Moneta. V zajtrku Deset centov, ki ga je Metcalf dve leti pozneje naslikal, je v hotelu Baudy, priljubljenem druženju Givernyja, pripeljal vadbo Académie Julian, ki jo je lahko vodil na uspešni družabni sceni. Vendar pa ga je impresionizem v tej okolici očitno navdušil: njegovo polje maka iz leta 1886 (Pokrajina pri Givernyju) je veliko dolžno Monetovemu impresionističnemu slogu (in vsebini). Do poletja 1887 so se romanja lotili tudi drugi ameriški umetniki, med njimi Theodore Robinson in John Leslie Breck.
Monet je pridigal vrline slikanja prizorov svoje rodne okolice. In čeprav je Sargent ostal vseživljenjski izseljenec, so se mnogi Američani, ki so študirali v Franciji, vrnili v ZDA, da bi razvili lastno blagovno znamko impresionizma. Nekateri so začeli poletne kolonije za umetnike - v Cos Cob in Old Lyme, Connecticut; Gloucester, Massachusetts; in East Hampton v New Yorku - ki je spominjal na straši francoskih slikarjev Pont-Aven, Grez-sur-Loing in Giverny. Ti mladi umetniki so bili podobni ameriškim kuharjem stoletje pozneje, ki so, ko so se naučili pomena uporabe svežih sezonskih sestavin pri francoskih pionirjih nouvelle kuhinje, oblikovali menije, ki poudarjajo kalifornijsko letino, vendar so še vedno nekako neizogibno okusili francosko. Aroma galica se oprime Robinson's Port Ben, Delaware in Hudson Canal (1893) - s svojim nebom in ravnino New York State pokrajina, ki vzbuja severno francosko ravnino - kot tudi Breckov pogled na primestni Boston, Sivi dan na Charlesu (1894) s podstavki za lilije in rogozom spominja na Giverny.
Impresionizem, ki so ga Američani prinesli domov iz Francije, je bil dekorativen in okrašen. Ponovil je tehnike, ki so jih uveljavili v Franciji in se izognil neprijetnim resnicam ameriškega mestnega življenja. "Kar se med ameriškim impresionizmom razlikuje po boljšem ali slabšem, je, da je že pozno, " pravi H. Barbara Weinberg iz Metropolitanskega muzeja, enega od soustanoviteljev oddaje. "Francoski impresionizem je tem umetnikom predstavljen v celoti kot nekaj, kar bi se lahko razvijalo in prilagajalo. Niso tam na robu izuma." Gibanje se je v Ameriki pojavilo ravno pred dvema desetletjema, v Franciji je izgubljalo zagon. "Do leta 1886 Renoir zavrača celo svoja relativno konservativna impresionistična prizadevanja, Seurat pa izziva impresionizem z nedeljskim popoldnevom na otoku La Grande Jatte, " pravi Weinberg. Toda v Ameriki je bil leta 1886 vodno znamenje impresionizma - leto pomembnih razstav, ki jih je v New Yorku priredil Paul Durand-Ruel, glavni pariški trgovec s francoskim impresionizmom, kar je bilo priložnost za tiste nesreče, ki še nikoli niso bili Francija, da bi videl, kaj vse se je dogajalo.
Za številne obiskovalce bo razkritje trenutne razstave uvod v nekatere umetnike, katerih ugled je zbledel. Eden takšnih je Dennis Miller Bunker, ki se mu je zdelo usojeno za velike stvari pred smrtjo zaradi meningitisa leta 1890 v starosti 29 let. Bunker je študiral pri Gérômeju na École des Beaux-Arts, vendar je svoj impresionistični občutek razvil šele po odhodu iz Francije, verjetno zaradi prijateljstva s Sargentom (oba sta bila favorita bogate bostonske zbirateljice Isabelle Stewart Gardner) in iz poznavanja številnih Monetovih slik, ki jih je videl v javnih zbirkah, ko se je naselil v Bostonu. Njegove krizanteme iz leta 1888 prikazujejo obilico lončnic v rastlinjaku v poletnem domu Gardners. Energične krizanteme so s svojo krepko krtačeno krtačo in svetlimi barvnimi masami pionirsko delo.
Čeprav so se številni ameriški umetniki sami po sebi predstavljali kot impresionisti, se bo s francoskimi impresionisti kdajkoli razstavljal. Mary Cassatt je bila v marsičem edinstven pojav. Rojena leta 1844 v Pittsburghu, se je kot otrok preselila s svojo premožno družino v Evropo in večino svojega življenja preživela v Franciji. Prikaz pastel Degas, ki jih je videla pri 31 letih v oknu pariškega trgovca, je spremenil njeno vizijo. "Včasih sem si zravnala nos ob tem oknu in vpijala vse, kar sem lahko, od njegove umetnosti, " je kasneje zapisala. "To mi je spremenilo življenje. Takrat sem videl umetnost, kot sem jo hotel videti." Navezala je prijateljstvo s kantavtorsko starejšo slikarko, in potem ko je Salon leta 1877 njeno delo zavrnil, mu je predlagal, naj se namesto tega pokaže z impresionisti. Na naslednji razstavi, ki je potekala do leta 1879, jo je predstavljalo 11 slik in pastel. "Ima neskončno nadarjenost, " je razglasil Degas. Nadaljevala je še v treh njunih oddajah.
"Ko je Cassatt dobra, se zlahka drži do svojih francoskih kolegov, " pravi Weinberg. "Govori o impresionizmu z drugačnim naglasom, čeprav ne vem, da lahko rečeš z ameriškim naglasom, saj po 1875 ni bila v Ameriki." Cassatt-ova tema se je razlikovala od običajne impresionistične cene. Kot ženska ni mogla prosto obiskovati barov in kabaretov, ki so jih Degas in njegovi sodelavci ovekovečili. Njena posebnost so bili intimni prizori mater s svojimi otroki.
Pa vendar je bila tudi Cassatt, ne glede na njene odlične dosežke, bolj privržena kot vodja. V Parizu je bil samo en res izvirni ameriški slikar: James Abbott McNeill Whistler. Starejši od večine drugih umetnikov na tej razstavi in po zgodnjem otroštvu v Novi Angliji, vseživljenjski prebivalec Evrope (predvsem Londona in Pariza), je bil radikalen inovator. Šele dokler abstraktni ekspresionisti New Yorka sredi 20. stoletja ne srečajo drugih ameriških umetnikov z osebnostjo in ustvarjalnostjo, da bi spremenili smer vpliva med celinami. "Je pred kupom - med Američani in tudi med Francozi, " pravi Weinberg. "Kar počne, gre od realizma do postimpresionizma, ne da bi šel skozi impresionizem." Razstava dokumentira, kako neverjetna je bila ta preobrazba - z realistične obale Bretanje (1861), ki spominja na njegovega prijatelja Gustava Courbeta; k simbolično sugestivni simfoniji v belem, št. 1: Belo dekle (1862), slika širokooki mlade ženske (njegova ljubica Jo Hiffernan); in končno do pojava zrelega postimpresionističnega sloga leta 1865 na slikah, kot sta Morje in Harmonija v modri in srebrni barvi: Trouville (ni vključen v newyorško različico oddaje), v kateri se razdeli platno v široke pasove barve in barvo nanese tako tanko, rad je rekel, kot dih na stekleni plošči. Od takrat naprej bi Whistler mislil na temo zgolj kot na nekaj, kar bi moralo biti usklajeno, saj se skladatelj igra z glasbeno temo, da ustvari razpoloženje ali vtis. Čisto abstraktne slike Marka Rothka ležijo tik nad Whistlerjevim obzorjem.
Vendar pa, kot je razvidno iz te razstave, je bila večina ameriških slikarjev poznega 19. stoletja v Parizu konformisti, ne vizionarji. Vodilni ameriški vaditelj impresionizma je bila Childe Hassam, ki je delila Whistlerjevo ljubezen do lepote, ne pa tudi njegovega avantgardnega duha. Prišel je v Pariz leta 1886 v sorazmerno napredni starosti 27 let, Hassam je bil že spreten slikar in njegova spoznanja na Académie Julian so ugotovila, da so zamrle "neumnosti". Namesto tega je izbral slikovite ulične prizore v impresionističnem slogu. Ko se je leta 1889 vrnil v Ameriko, je plačal ustno ideji, da bi moral umetnik dokumentirati sodobno življenje, pa čeprav hripavo, a New York, ki ga je izbral za upodobitev, je bil enako privlačen, podeželje pa še bolj. Obiskal svojo prijateljico, pesnico Celia Thaxter, na otokih Šola v New Hampshireu, je na njenem rezalnem vrtu naslikal vrsto priznanih slik cvetja. Tudi na tem idiličnem mestu je moral urediti čudaške delce posega v komercialni turizem.
Hassam je odločno zanikal, da je nanj neposredno vplival Monet in drugi impresionisti, kar je namesto tega impliciralo prejšnjo šolo francoskih slikarjev Barbizon in nizozemski krajinski umetnik Johan Barthold Jongkind. Toda Monetova odpoved je bila odporna. Hassamove slavne "slike z zastavicami" - osceni Pete avenije, narisani v domoljubnem napinjanju, ki ga je začel leta 1916 po paradi v New Yorku v podporo zavezniškemu povzročitelju v prvi svetovni vojni - so se lotili iz Monetovega festivala Rue Montorgeuil, Pariz, Festival z dne 30. junija 1878, ki je bil leta 1889 razstavljen v Parizu, medtem ko je bil Hassam tam študent. Žal se je v prevodu nekaj izgubilo. Vznemirjenje navdušenja in omejena energija Monetovega prizora postane pri Hassamovi obravnavi statična: še vedno lepa, vendar balzamirana.
Dejansko je bilo v času slik Hassamove zastave življenje tako francoske akademije kot francoskega impresionizma. Kot vedno vabljiv je Pariz ostal glavno mesto zahodne umetnosti, vendar se je umetnost spremenila. Zdaj je bil Pariz mesto Picassa in Matissa. Za novo generacijo sodobnih ameriških slikarjev, ki plujejo v Pariz, je bil "akademik" pejorativen. Verjetno bi portret družbene lepotice v nizko zarezani obleki našli nekoliko konvencionalno in sploh ne šokantno.
Arthur Lubow živi na Manhattnu in je pisatelj o kulturnih temah v reviji New York Times .
