Smrt slikarstva je bila prvič napovedana sredi 19. stoletja, ko se je zdelo, da bo prihod fotografije izvlekel resničnost iz slikarjeve roke. "Če se lahko fotografiji za umetnost postavimo v nekatere njene funkcije, " je leta 1859 napisal francoski pesnik in likovni kritik Charles Baudelaire, "jo bo kmalu izničila ali v celoti pokvarila." Umetniki se že od nekdaj trudijo soočiti posledice fotografije.
Impresionisti, kot sta Monet in Renoir, so zavračali statične, mehanske posnetke fotografij in ustaljeno akademsko slikarstvo svojega časa, zato so si ustvarili svoje lastne vtise o tem, kako oko zaznava svetlobo in atmosfero v naravi. Nekateri njihovi sodobniki, med njimi Degas in Toulouse-Lautrec, so se lotili drugače. Fotografije so začele uporabljati za navdih - obrezale so svoje slike, kot je na primer kamera, in uvedle izkrivljanje perspektive na podlagi objektiva kamere.
Nato sta Matisse in Picasso pred sto leti naredila radikalne slike, ki bi definirale novo dobo moderne umetnosti. Matisse je leta 1907 lik razbarval s svojo izbočeno Modro golo, ki je slikala s fotografije, da bi osvobodila domišljijo in prelomila navade, ki so nastale pri risanju iz življenja. Picasso je uporabil tudi fotografije, da je naslikal svoj Les Demoiselles d'Avignon iz leta 1907, pri čemer je vsaka figura videti kot večkratna izpostavljenost, gledano iz različnih zornih kotov hkrati - odločilni korak v kubizem.
Ko je 20. stoletje napredovalo, so slikarji, kot sta Wassily Kandinsky in Jackson Pollock, opustili koncept umetnosti kot reprezentacije in ustvarili platna, ki sploh niso imela prepoznavnih predmetov. V njihovih "abstraktnih" delih je tema postala tudi sama barva. V šestdesetih letih prejšnjega stoletja so konceptualni umetniki - po navdihu Marcela Duchampa in drugih dadaistov dvajsetih let prejšnjega stoletja - sprejeli stališče, da naj bi umetnost ciljala na um, ne na oko, izkazalo pa se je slike, pri katerih je bila ideja dela pomembnejša od samega dela. . Z nekaj očitnimi izjemami - pop art, foto realizem in umetniki, kot je David Hockney - je predstavitvena ali figurativna umetnost do konca 20. stoletja večinoma veljala za preteklost. Toda v zadnjih letih so številni sodobni slikarji začeli segati do korenin moderne umetnosti, da bi našli nove načine izražanja. Mešajo človeško figuro in druge prepoznavne oblike z elementi abstrakcije in dvoumne pripovedi na načine, ki jih doslej še nismo videli.
"Navdušenje nad mojim poklicem je trenutno izjemno, " pravi Joachim Pissarro, kustos slikanja in risanja v newyorškem Muzeju moderne umetnosti. "Pred tridesetimi leti se je govorilo o koncu slikanja. Danes tega nihče ne skrbi." Za mlado generacijo, pravi, "je polarizacija med abstrakcijo in reprezentacijo, ki je obstajala v zadnji polovici 20. stoletja, samo nesmiselna. To, kar zdaj vidimo, je zelo zanimivo. In povsem novo."
Umetniki, predstavljeni na teh straneh, so razpršeni od Brooklyna do Trinidada do Leipziga v Nemčiji, obnavljajo "prepričanje v slikarstvo", pravi Laura Hoptman, višja kustosinja Novega muzeja sodobne umetnosti v New Yorku.
Peter Doig
"Ko so se ljudje v poznih osemdesetih letih začeli zanimati za moje delo, je bilo slikanje popolnoma brez dnevnega reda, " pravi Peter Doig, 49-letni Škot, ki živi v Trinidadu. "Kar je bilo v galerijah najpomembnejše, je bilo vse konceptualno - slikanje o slikarstvu, umetnost, ki je nekaj govorila o načinu, kako je narejena. Namerno sem delal proti temu. Zame, ko si slikar, si ves čas prisiljen pogledati svet kot potencialni predmet slikanja. To sega od tega, da nekaj vidiš na ulici, da nekaj vidiš v filmu, v reviji, v resnici vse. "
Doig's studio, v prenovljeni destilarni rum v glavnem mestu Trinidada, v Španskem pristanišču, je poln velikih platen, ki prikazujejo pokrajine, podobne džungli, pobarvane reke in dvoumne figure. Ko je leta 2003 zapustil London, da bi se preselil v Trinidad, so ga mnogi njegovi prijatelji imenovali "delaj Gauguina", po francoskem umetniku Paulu Gauguinu, ki se je leta 1891 preselil na Tahiti, da bi postal eno z naravo. Doigov slog včasih primerjajo z Gauguinovim, vendar je njegov pristop do slikanja precej drugačen. Kot pravi, njegova metoda temelji na nekakšni obdelavi informacij, ki se pogosto začne s fotografijo, saj ga slikanje s fotografij oddaljuje od resničnega ali resničnega. "Zakaj mora biti slika resnična?" je vprašal.
Doig je naredil več slik iz stare razglednice, ki jo je kupil v londonski prodajalni smeti, ki prikazuje rečni prizor v Indiji. "Ko slikam naravnost iz narave, " pravi, "se preveč ujamem, da bi poskušal to urediti. S fotografijo ali razglednico mi omogoča samo, da posnamem, kar hočem, in ostalo pustim ven. Naredil sem fotografijo majcenega guruja na razglednici in posnel še eno fotografijo tega, in razstrelil sem ga, tako da je postalo zamegljeno, in iz tega sem poslikal, in on je postal nekakšen bradati moški, nekaj skrivnostnega in črnega. ne vem, ali je religiozen ali fanatik, toda v njem je nekaj duhovnega. "
Pokaže na platno od 9 do 12 metrov skodrane figure, ki se vzpenja na palmo, objema po deblu in pokuka iz abstraktne praznine čopičev, kapljanja in razpok. "Te kaplje in razpoke so vrste lepih stvari v slikanju, ki so edinstvene, " pravi. "Vključujete se in damo vam jih, a sovražim, da bi postali manirizem ali trik." Ravno ta številka je najbolj prizadela direktorico SITE Santa Fe Laura Heon, ko je bila slika prikazana na muzejskem bienalu 2006. "V nekem smislu gre za vrnitev k humanizmu, " pravi. "Nekaj zelo radodarnega je pri ustvarjanju slike človeka."
Velika retrospektiva Doigovega dela se bo februarja odprla v Londonu Tate Modern.
Dana Schutz
V slikah Dana Schutza je ponaredkov in resnic težko razločiti. "Vem, da so moje slike narejene, vendar verjamem v njih, ko slikam, " pravi v svojem ateljeju v stari industrijski zgradbi, ki je v Brooklynu obrnila umetniško zadrugo. 30-letni Schutz rad ustvarja figure in jih postavlja v različne scenarije v seriji slik, kjer se zdi, da prevzamejo svoje življenje. Ena izmed takšnih serij je številk, ki jih imenuje "samojedci" - odvzeta oblika ljudi, ki preživijo tako, da se prehranjujejo z deli svojih teles in se nato rekonstruirajo. Slike, s svojimi fantastičnimi podobami in s tem, kar ji pravijo "ekstrovertirane barve" - rdeče luknje in rdeče barve, električni vijolični vijugi in zelenice iz džungle - so bile pohvaljene kot nov ekspresionizem in jih je enostavno razlagati z vidika družbenih tegob - anoreksične modele do divjaškega potrošništva - ali celo kot utrinke umetnikove psihe. Toda Schutz se s tem ne strinja.
"Nisem ekspresionistka, " protestira. "Te slike ne govorijo o tem, kako se sploh počutim." Kot pravi, "samojeda, " so slikovita rešitev; lahko jih ločite in znova sestavite. Kot da so pravkar postali materialni. "
Toda Schutz pravi, da so njene slike včasih navdihnjene s tistim, kar vidi na internetu ali o tem razmišlja. "Želim si, da bi se te slike začele nekje v javni domišljiji, kjer se ljudje počutijo, kot bi lahko poznali to zgodbo, denimo plastično operacijo ali proizvodnjo-porabo ali načine, kako si sami ustvarimo alternativne zgodovine, " pravi. "Vedno bolj se počutim kot najbolj radikalno, kar lahko stori umetnost, nekomu omogočiti izkušnjo, za katero meni, da je na nek način neznanka."
Za Schutza ni abstraktne slike med abstraktnim in figurativnim slikarstvom. "Ne verjamem, da je to nekaj ločenega." Na eni novi sliki moškega in ženske, ki se vozita, se zdijo figure v avtomobilu skoraj plastične, kot da se topijo v vroči havajski pokrajini. "Način, kako razmišljam o njih, " pravi, "je, da bi v prihodnosti, če bi se ozrli na nas, kakšne lastnosti ostale na rahlo izkrivljen ali posplošen način?
"Mogoče popravimo številko, " nadaljuje. "Ustvarjanje slik o sliki se sliši noro. Vse, kar govori o barvi. Mislim, da umetniki zdaj želijo biti smiselni in imeti učinek. Zelo se razlikuje od 20. stoletja."
Razstava Schutzovega dela se odpre novembra v galeriji sodobnih likovnih umetnosti v Berlinu v Nemčiji.
Neo Rauch
V Leipzigu 47-letni nemški umetnik Neo Rauch vpliva na generacijo slikarjev po hladni vojni z dvoumnimi slikami, ki mešajo realizem s fantazijo, navadnega z bizarnim. Na podlagi grafičnih slogov stripov vzhodnega bloka in komercialne umetnosti, socialnega realizma komunistične vzhodne Nemčije, lastnih sanjskih podob in elementov svoje urbane pokrajine Rauch slika vrste figur, ki jih lahko najdete na propagandnih plakatih, vendar jih nastavi prizori, ki so, kot pravi, "zmedeno verodostojni" - nekoč znani in čudni.
Rauch svoje slike opisuje kot alegorija z osebno ikonografijo, ki ostaja zasebna. Pred kratkim je anketarju za newyorški Metropolitan Museum of Art povedal, da njegove odločitve kot slikar lahko kljubujejo razlogu - tudi svojemu. Toda tisto, kar vključi v sliko, ima svojo resničnost, saj "bi kljub slikarstvu po želji po interpretaciji moral ohraniti privilegij, da tisto, česar ni mogoče verbalizirati, v očitno strukturo." Rauch opisuje svoj postopek slikanja kot boj za uravnoteženje tistega, kar je prepoznavno, s tistim, kar ni mogoče razložiti. "Zame je, kot je dejal, " slikanje pomeni nadaljevanje sanj z drugimi sredstvi. "
Razstavo Rauhovega dela je trenutno na ogled v Metropolitanskem muzeju umetnosti v New Yorku (do 14. oktobra).
Barnaby Furnas
Barnaby Furnas, kot sodelavec diplomirane umetniške šole na univerzi Columbia Dana Schutz, je svoj studio postavil v preurejeno industrijsko podstrešje v Brooklynu. Njegove slike, ki jih je navdihnilo francosko zgodovinsko slikarstvo poznega 19. stoletja, združujejo figurativne elemente s tehnikami, ki izhajajo iz grafitov in abstraktnega ekspresionizma.
"Kot najstnik, ki odrašča v mestni Filadelfiji, sem bil najprej pisatelj grafitov, " pravi. "Zapletel sem se v vse vrste težav, aretirali so me, a vedno sem imel eno nogo v umetniškem razredu." Na koncu ga je oče prijatelja odpeljal v nekatere umetniške galerije v New Yorku. "To je res edini način, za katerega bi sploh vedel, da umetniški svet sploh obstaja, " pravi.
34-letni Furnas je na platnu položil svoja platna, kot je to storil Jackson Pollock. Toda namesto da bi kapljala oljno barvo à la Pollock, ustvari luže barve na vodni osnovi, ki jih naloži ena na drugo, da ustvari obliko. Za serijo o državljanski vojni je brizgo napolnil z rdečo akrilno barvo, ki jo je brskal po platnih, da bi predstavljal kri. "Olja se nikoli ne bi pravočasno posušila za način, kako uporabljam barve, " pravi, "ravno na tleh, v lužah. Veliko tega se vrne v grafite. Ena od stvari, ki mi je bila všeč pri grafitih, je, da namerno zlorablja material. Lahko bi odstranili pokrovčke z brizganjem enega aerosola, recimo čistilo za pult, in ga naložili na konzervo za pršenje barve in dobili popolnoma drugačen učinek od šobe .... Nikoli se nisem motil še filci in čopiči. Imam ogromno zbirk pokrovčkov z razpršilci, kot si predstavljam, da imajo nekateri oljkarji čopiče. Pri mojem delu je nekakšna namerna mešanica tega, kar je v trgovini s strojno opremo in kaj v trgovini z umetninami. "
V likovni šoli na Columbiji se je Furnas uprl starejši generaciji učiteljev, ki so bili, kot pravi, "konceptualni in postmoderni umetniki, skoraj brez slikarjev." Slikanje je videl kot dejanje samoizražanja, ki ni bilo v modi. Želel je tudi, da bi bilo njegovo delo dostopno gledalcem, ne da bi ga morali akademiki razlagati. "Nisem hotel, da ti ljudje v črnih oblekah govorijo o mojem delu, " pravi. "Nisem hotel posrednika." Odločil se je, da se bo "vrnil k semenom modernizma, " pravi, "Courbetu in Géricaultu in Manetu, slikanju francoske zgodovine poznega 19. stoletja. Želel sem ponovno raziskati žanr in nanj priti drugače. Tako sem postal tovrstni prodajalec modernistične trgovine z varčnostjo! "
Razstava Furnasovega dela je predvidena spomladi v galeriji Stuart Shave / Modern Art v Londonu.
Katherine Lee
V stari vojašnici, izdelani v umetniških ateljejih na fakulteti Santa Fe, se 22-letna Katherine Lee sprašuje, kako bo njena žična generacija gledala na umetnost. "V teh dneh preberemo toliko trenutnih vizualnih sporočil, " pravi, "kot reklame - preberite in dobite - in želim, da je slika zanimiva dlje od komercialnega premora. Mislim, da je strah pred pripovedjo in to izhaja iz ideje, da bi jo "dobili". Ljudje so tako navajeni na oglaševanje, da želijo, da bi tisto, kar vidijo na sliki, premislil nekdo drug. A oglaševanje naredi tako dobro delo, da bi morda morali najti novo strategijo. "
Skrivnostna, skoraj črna pokrajina z obližem oddaljene svetlobe je pripeta na Leejevo steno studia. Ima prijetno vzdušje in globino pokrajine 19. stoletja, Lee pa jo je naslikal na več fotografijah z mešanico grafita, olj in pločevinke brizgalnih barv. Temno listje nakazuje na džunglo ali gozd in nekaj je videti kot rdeč dežnik sredi vsega. Ampak ljudi ni. Težko je karkoli vedeti o prizorišču, ki je ravno to, kar si želi. "Ta dežnik v gozdu nakazuje, da se nekaj dogaja, " pravi. "Všeč mi je ideja, da vse deluje kot potencialna vsebina. Resnično ne razmišljam, kaj to pomeni, ko jo ustvarjam, saj vem, da bo to dobilo svoj pomen."
Ko slika človeške figure, kot v oljni in grafitni podobi romantičnega para, ki ji pravijo Untitled Love, Lee želi, da bi barva tako kot sliko zanimala gledalca. "Ni ravno figurativno slikanje, " pravi, "ker v resnici ne gre za te ljudi. Ko sem začela slikati, je bila res samo figura, a kmalu se je to zdelo preveč ravno. Res sem se zgrozila in nekako uničena večino slike, potem pa je bilo veliko bolje. Vzela sem čopič in samo nasilno zabrisala vse. Če abstrahiram vse do te mere, slika postane odprta, pridobi veliko potencialne vsebine, v nasprotju z izrecnim pojasnjevanjem samega sebe. "
Slike Katherine Lee si bodo lahko ogledali v diplomski oddaji v galeriji likovnih umetnosti na Fakulteti v Santa Feju maja.
Elizabeth Neel
32-letna Elizabeth Neel, nedavno diplomantka Šole za umetnost Univerze Columbia, je slikarka, katere delo še dodatno navdušuje nad sodobnim slikarstvom, ki združuje abstrakcijo in reprezentacijo. V njenem studiu v Brooklynu so platna prekrita z velikimi abstraktnimi potezami, ki spominjajo na de Kooninga, vendar vsebujejo vrste, ki si jih je slikar, kot je Matisse, morda zamislil. Neel pravi, da njeno lastno občutljivost oblikuje poplava slik okrog nje, od oglaševanja in televizije do filmov, videov in interneta. "Potrošniki slik smo skoraj od dneva, ko se rodimo, " pravi in meni, da se mora umetnost zdaj spoprijeti s tem okoljem.
Vnukinja figurativne slikarke 20. stoletja Alice Neel, Elizabeth pogosto brska po internetu za slikami, preden začne slikati. Fotografije ne projicira na platno, ampak izdeluje skice slik, ki jih želi uporabiti. Včasih, kot pravi, lahko povsem formalni vidiki slikanja - na primer obseg njenih čopičev - spremenijo zanimanje za sliko in jo pošljejo nazaj na internet za nove slike in ideje. "Mislim, da ima lahko slika čudovito dvojnost; lahko gre zase in za svet, " pravi, "in to je dober prehod na sliki, ko se to zgodi."
Britanski zbiralec Charles Saatchi je kupil več Neelovih slik in jih nekatere vključil v svojo serijo razstav "Triumph of painting" v svoji londonski galeriji. Neel bo imela samostojno predstavo na Deitch Projects v New Yorku spomladi 2008. Njeno delo si lahko ogledate na spletni strani Deitch Projects.
Pisatelj in slikar Paul Trachtman živi v Novi Mehiki. Njegov članek o dadaistih je objavil v Smithsonianu maja 2006 .
